Jérémie Koering

Professeur ordinaire d'histoire de l'art des Temps modernes

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 jeremie.koering@unifr.ch
 +41 26 300 7949
 https://orcid.org/0000-0002-7638-7665

Biography

Jérémie Koering is professor of early modern art history at the University of Fribourg. His fields of study are Renaissance Art, epistemology of art history, and anthropology of images. He has published Léonard de Vinci. Peintures et dessins (Hazan, 2007), Le prince en représentation (Actes Sud, 2013), Caravage, juste un détail (INHA, 2018); with Stephen J. Campbell, Andrea Mantegna: Making Art History (Wiley, 2015); with Yve-Alain Bois, Damisch/Schapiro a special issue of October (MIT, 167, 2019). He has edited two unpublished manuscripts by Robert Klein, L’Esthétique de la technè. L’art selon Aristote et les théories des arts visuels au XVIe siècle (INHA, 2017) and Essai sur la responsabilité (with Carole Maigné, INHA, 2022). Recently, he has published a book in the field of image anthropology: Les iconophages. Une histoire de l’ingestion des images (Actes Sud, 2021/Zone Books 2024), for which he was awarded by the Pinault Collection (Pierre Daix Prize 2022). His last book is Enquête sur ‘Les Ménines’ (Actes Sud, 2025 / Zone books forthcoming). He is now working on the publication of two essays: the first on Meyer Schapiro and drawing as epistemic tool, the second on the metaphors of the artistic process in italian renaissance art.

Research and publications

  • Articles
    83 publications

    Arachne : Weaving and the Origin of Technè in the Renaissance
    Jérémie Koering, Zeitschrift für Kunstgeschichte (2024) | Journal article

  • Book chapter
    50 publications

    Introduction , in Façades peintes : représentation sociale, art et espace urbain en Italie (XVe-XVIIe siècles)
    Jérémie Koering (2025) | Book chapter

    Agencements : modèles mnémoniques, rhétoriques et poétiques , in Façades peintes : représentation sociale, art et espace urbain en Italie (XVe-XVIIe siècles)
    Jérémie Koering (2025) | Book chapter

    Le talent à l’épreuve de la rue : le rôle de l’artiste , in Façades peintes : représentation sociale, art et espace urbain en Italie (XVe-XVIIe siècles)
    Jérémie Koering (2025) | Book chapter

    Transparence et opacité : ornements feints et illusionnisme , in Façades peintes : représentation sociale, art et espace urbain en Italie (XVe-XVIIe siècles)
    Jérémie Koering (2025) | Book chapter

  • Book publishing
    4 publications

    Façades peintes : représentation sociale, art et espace urbain en Italie (XVe-XVIIe siècles)
    Jérémie Koering (Actes Sud/Errance, 2025) | Edited book

  • Books
    11 publications

    Enquête sur Les Ménines: Velázquez et le regard du roi
    Jérémie Koering (Actes Sud, 2025) | Book

  • Colloquium & conferences
    121 publications

    Cours thématique / Histoire de l'art des Temps modernes : Paragone : les arts en ordre de bataille
    Jérémie Koering, Université de Fribourg (2.2026) | Conference

    Séminaire / Histoire de l'art des Temps modernes : Inachevé ? Le non finito au seuil de l’époque moderne
    Jérémie Koering, Université de Fribourg (2.2026) | Conference

  • Research projects

    Materiologies
    Status: Ongoing

    Start 01.05.2026
    End 31.07.2026
    Funding SNSF  Open project sheet
    Le workshop international de recherche Matteriologies. Poetics and Meanings vise à aborder la question de la matière et la place qu’elle occupe non seulement dans le processus créatif, mais également dans la quête de sens d’une œuvre d’art. Dans cette perspective, le workshop souhaite consacrer le néologisme matteriology comme le terme le plus à même de désigner une pensée de la matière dans l’art, attentive à la façon dont celle-ci influe sur l’interprétation, et non comme un simple substrat inerte au service du sujet de l’œuvre. Nourrit du material turn qui a replacé l’objet artistique dans son épaisseur matérielle et sa choséité muséale, le workshop propose d’élargir cette approche à une réflexion sur la poïesis, à savoir le faire, la production, le devenir d’un œuvre d’art, autrement dit le processus vivant par lequel elle advient au monde. Loin d’être un simple conditionnement, la matière impose des contraintes techniques autant qu’elle suggère des solutions interprétatives, résiste aux intensions tout en dialoguant avec elles ; l’œuvre naît de cette symbiose placée comme elle est au cœur d’une triangulation sémiotique où le matériau, l’artiste et le regardeur se façonnent mutuellement. Il s’agira donc d’enrichir la sémantique des termes propres à notre discipline et de se concentrer sur la redéfinition de la dualité fondamentale entre la forme et le contenu, non pas comme une opposition binaire entre l’un ou l’autre mais comme un productif « à la fois l’un et l’autre ». Plutôt que de poursuivre dans la voie du material turn ou de revenir à l'iconologie classique avec sa surinterprétation textuelle du contenu narratif ou symbolique d’une œuvre, l'objectif est de jeter un pont entre ces deux approches : explorer l’agentivité du matériel à travers un prisme à la fois poétique et conceptuel, esthétique et significatif. L’objectif de cet atelier public est d’entreprendre une relecture critique de textes clés à la lumière de recherches inédites en cours. Les interventions, telles qu’elles se présentent à ce stade, aborderont la préciosité de certains matériaux (marbre, porphyre, corail, dorure), les textures picturales (coulures, raclements, empâtements), ainsi que des sujets édifiants comme les revers des tableaux, les natures mortes ou encore les palettes de peintres. En mettant l'accent sur cette dimension, le workshop entend prolonger la réflexion entamée par des chercheuse/chercheurs de renommée internationale au Centre Allemand d’Histoire de l’Art de Paris en 2010 (actes coordonnés par Andreas Beyer et Dario Gamboni, "Poiesis. Über das Tun in der Kunst", Deutscher Kunstverlag, 2014). Le workshop poursuit l’objectif constant de notre département qui est d’inscrire son nom sur l’orbite internationale et de faire ainsi rayonner celui de notre université. Soucieux de fructifier les partenariats avec des structures universitaires homologues, notre département vise à consolider les échanges scientifiques et à encourager une dynamique collaborative pérenne. C’est la raison pour laquelle, le présent workshop constituera le premier volet d’une manifestation en deux étapes qui se poursuivra en décembre 2026 à la Ludwig-Maximilians-Universität de Munich dans un comité encore plus élargi. L'organisation du volet munichois incombe à notre collègue, Yannis Hadjinicolaou (cf. lettre attachée). La présente demande concerne uniquement le volet fribourgeois.

    10002803 - Dessiner voir. Le dessin comme outil épistémologique en histoire de l’art
    Status: Ongoing

    Start 01.09.2025
    End 31.08.2029
    Funding SNSF  Open project sheet
    Le projet "Dessiner voir" entend étudier les fonctions épistémiques du dessin dans la pratique de l’histoire de l’art. Depuis l’institution académique de cette discipline au XIXe siècle, la très grande majorité des historien·ne·s de l’art a en effet utilisé le dessin pour observer, documenter, classer et interpréter les œuvres d’art. Or, en dépit de la masse documentaire témoignant de cette pratique, l’usage de cet instrument demeure très mal connu. La littérature scientifique consacrée à cet outil dans le champ spécifique de l’histoire de l’art est extrêmement limitée et n’aborde qu’incidemment la question épistémique. Pour dépasser cette méconnaissance et mesurer la place de l’instrument graphique dans la fabrique de l’histoire de l’art, il importera de rassembler un grand nombre de dessins en réalisant des recherches systématiques dans les archives d'historien.ne.s de l'art un peu partout dans le monde, d’explorer la variété de ses usages au sein de différentes cultures académiques (européennes comme extra-européennes), d’observer l’évolution de ses formes au fil des transformations méthodologiques qui ont affecté l’histoire de l’art du XIXe au XXIe siècles, et, enfin, de confronter ses fonctions épistémiques à celles dévolues à ce même outil dans d’autres champs disciplinaires (sciences humaines et sociales, sciences de la nature, sciences exactes...). L’analyse des qualités aspectuelles et cognitives du dessin permettra de se dégager d’une approche trop exclusivement logocentrée de l’histoire de l’histoire de l’art. Il s’agira notamment de cerner les ressorts visuels de l’instrument graphique et de déterminer leurs rôles dans la constitution du savoir. Cette approche visuelle n’occultera pas pour autant le langage verbal. Les documents graphiques (feuilles volantes, carnets de notes, etc.) sont en effet truffés d’annotations, révélant un entrelacement de l’écrit et du dessin plutôt qu’une dissociation stricte de ces deux modes de connaissance. L’étude rendra compte des différences et des points de contact entre visible et lisible. L’analyse de ces deux régimes sémiotiques permettra de mieux saisir les fonctions respectives du dessin et de l’écrit au sein du « laboratoire » de l’historien·ne de l’art. En se situant à la croisée de l’historiographie et de l’épistémologie, ce projet abordera un aspect de l’histoire de l’histoire de l’art qui n’a jamais été étudié de manière aussi ample et globale.

    Incorporation: Consumption beyond the gaze (part. 2)
    Status: Completed

    Start 01.04.2024
    End 30.06.2024
    Funding SNSF  Open project sheet
    Bien que le terme "incorporation" (et ses équivalents dans de nombreuses langues latines) soit souvent métaphorique, celui-ci recouvre également des pratiques d'ingestion bien réelles d'artéfacts. S'inscrivant dans le sillage du "material turn" que connaît actuellement les sciences humaines, ce workshop sera consacré à l'incorporation d'images, d'objets manufacturés, de reliquaires, etc. dans les sociétés chrétiennes et musulmanes. Il vise à poursuivre les recherches sur l'ingestion menées lors d'un précédent workshop organisé à New York University en avril 2023. L'ingestion pratiquée à des fins de mémorisation, de protection ou de châtiment, implique que certains types d'images, voire de mots, peuvent être consommés pour agir directement sur le corps humain. Les pratiques de logophagie (ingestion de mots) et d'iconophagie (ingestion d'images) que nous étudions sont bien étrangères à nos modes de perception actuels. À ce titre, elles demandent à être étudiées selon une approche historique et anthropologique. Bien qu'elles soient communes à de nombreuses cultures, ces pratiques ont souvent été dépeintes comme anormales, marginales ou primitives à l'aune de la philosophie cartésienne et des Lumières. Cette collaboration pionnière entre l'Université de Fribourg et le Silsila Center de NYU explorera ce phénomène selon une perspective comparatiste, transhistorique et transculturelle.

    La ville ornée. Pour une histoire globale des façades peintes à l'époque moderne (Suisse/Europe)
    Status: Completed

    Start 01.09.2021
    End 31.12.2025
    Funding SNSF  Open project sheet
    Entre les XVe et XVIIIe siècles, la plupart des villes européennes comportaient des façades peintes (al secco, al fresco et a sgraffito) réunissant des scènes historiées, des figures monumentales (historiques, mythologiques, allégoriques), des ornements (végétaux, à l’antique, grotesques), et des structures architecturales feintes. Or, en dépit du nombre de décors réalisés et malgré la renommée des artistes qui ont conçu et exécuté ces ensembles décoratifs (Andrea Mantegna, Titien, Tintoret, Hans Holbein le Jeune, Tobias Stimmer, Frans Floris, Cornelis Ketel, etc.), ce phénomène artistique majeur demeure encore très largement méconnu et trop souvent négligé par les historien.ne.s de l’art. Il apparaît pourtant indispensable à qui souhaite étudier la culture visuelle des civilisations urbaines de l’Europe de se pencher sur cet important corpus. Le présent projet entend redonner aux façades peintes toute la place qu’elles méritent sur le plan historique et artistique. Sur un méridien stylistique reliant le Nord au Sud de l’Europe, le phénomène de la façade peinte constitue en effet un merveilleux laboratoire de la représentation, au double sens transitif et réflexif du terme, dont l’étude promet de livrer des informations fondamentales sur la culture visuelle et l’usage des images dans les villes de l’époque moderne. Afin de répondre à cette promesse, ce projet entend confronter les ensembles décoratifs conservés ou simplement documentés pour mettre en évidence les enjeux politiques, sociaux et artistiques qui traversent cette pratique décorative – il s’agira notamment de revisiter la notion d’« espace public » à l’aune des façades peintes et d’envisager l’image, non plus comme une entité per se, mais comme un élément constitutif du tissage urbain. L’ambition de ce projet est de décloisonner la recherche sur les façades peintes – trop souvent cantonnée à des aires géographiques restreintes – en entreprenant, grâce aux forces combinées de deux doctorant.e.s, d’un.e post-doctorant.e, d’un.e chercheur/se sénior et du professeur requérant, des études comparées et systématiques des décors réalisés en Europe, et plus particulièrement en Suisse, entre les XVe et XVIIIe siècles. Tout en optant pour une approche globale du phénomène, cette enquête accordera une place particulière au corpus suisse. La Suisse jouit en effet d’une position stratégique sur le plan historique et artistique dans le développement des façades peintes. Géographiquement placée sur l’axe Nord-Sud, historiquement inscrite à l’articulation du Saint-Empire germanique et de l’Italie à naître, la Suisse opère une synthèse entre les multiples influences tout en se forgeant un langage artistique propre. Des villes comme Bâle, Schaffhouse, Lucerne en sont de vibrants témoignages. Il nous importera donc de suivre l’enchâssement des deux pans – continental et national – et de défendre un projet suisse de recherche appelé, en dehors des débats politiques, à prendre une dimension européenne. À l’instar de son ancienne production artistique, la Suisse d’aujourd’hui pourrait constituer, sur le plan académique, le Knotenpunkt d’une recherche ambitieuse. Et qu’un tel projet puisse être mené à Fribourg, sur la frontière impalpable entre latinité et germanité, serait, plus qu’une coïncidence significative, une opportunité que nous appelons de nos vœux. La portée scientifique d’un tel projet reposera enfin sur un constant partage des connaissances entre les spécialistes de l’image, de l’art, de l’architecture, de l’urbanisme, de la technique (conservateurs, restaurateurs, architectes) et du patrimoine. Nous souhaitons élaborer une documentation et une réflexion rigoureuse sous la forme de base de données en libre accès, de publications numériques, d’actes de colloque en version papier, de mémoires de Master, de thèses de doctorat et d’habilitation. Ce matériau aura pour vocation de nourrir de futurs projets de recherche collectifs ou individuels.

Teaching and courses

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